Sierra Madre

A partir de cierta edad los huecos en la educación (audiovisual en este caso) de uno empiezan a ser buenas noticias.

Nunca había visto El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of Sierra Madre-1948). Nos habíamos cruzado un montón de veces. Había pasado a mi lado en DVD, alguna madrugada en la 2 había visto parte de ella (incluso es casi seguro que llegase a grabarla en una de esas cintas VHS en las que cabían todo: videos musicales, trozos de una porno, el final de Golpe en la pequeña China), había leído referencias a diestro y siniestro. Sin embargo nunca la había visto completa.

Hasta ayer. Decidí acompañarla de un buen filete y de una buena botella de vino. Vamos, que prepare una recepción en consonancia con el calibre que anticipaba a la película. No me defraudo. Una gran película de aventuras con el descreimiento de las películas de posguerra y el humanismo característicos de Huston. Tanto Humphrey Bogart como Walter Huston (padre del director) construyen personajes redondos.

Me habían entrado las ganas visitar Sierra Madre tras ver la semana pasada otra película de Huston que me faltaba en la lista: Sangre Sabia (Wise Blood-1979). Esta película sigue las sórdidas desventuras del patético predicador Hazel Motes y su Iglesia de Cristo sin Cristo. Una película visceral, low fidelity y muy pasada de rosca que anticipa la obsesión por la estética “americana” de los 80 (Lynch, Wenders, Jarmusch).

Estas películas perdidas son una categoría en si misma. Películas con las que me he cruzado varias veces y que sin embargo nunca he llegado a ver. La calidad de las mismas es variable: desde películas de acción de los 80 (las sagas enteras de Rocky o Rambo) hasta clásicos como El Gran dictador pasando por ET o por las películas de Antoine Doinel de Truffaut. No son “películas que no he visto” sino “películas que se que no he visto”. El matiz esta en el sentimiento de culpa. Y como los buscadores de oro encarnados por Bogart y Huston me adentro en la Sierra Madre una y otra vez en su busca.

Emperor of the North Pole

Emperor of the North Pole (1973) - Robert Aldrich

Un tren recorre la Gran Depresion Americana con Robert Aldrich de maquinista.
Entre la maleza se esconden los vagabundos, esperando a un despiste del revisor para subirse al tren y viajar de gorra. Dos vagabundos se cuelan dispuestos a todo con tal de llegar a destino. Son el novato "Cigaret" (Keith Carradine) y "A No 1" (Lee Marvin), robin hood de los vagabundos. Lo que no saben es que el revisor de este tren, "Shack" (Ernst Borgnine) les espera con un martillo pilon y clavos y ganas de hacerles picadillo (en este sentido la primera escena de la pelicula es la perfecta declaracion de intenciones).

Aldrich aprovecha el tema para hacer un borrador de la lucha de clases y de la integridad del individuo ante el sistema. Los vagabundos son el buen salvaje y los empleados del tren son seres que han vendido su alma al diablo. Algunos la han vendido porque no tenian otra opcion y otros con el tiempo han olvidado que un dia tuvieron algo digno de ese nombre.

La pelicula adolece de cohesion en la historia pero sigue siendo una pelicula interesante, sobre todo gracias a los impagables enfrentamientos del revisor con los vagabundos, mitad RoadRunner, mitad juego plataformas (incluida la estetica Mario Bros). No quiero ni pensar lo que hubiese hecho Raimi en sus buenos tiempos con esas escenas. En cualquier caso Aldrich imprime garra a estas escenas que sobresalen con mucho del resto de la pelicula.

De postre, la pelicula te permite echar mano de biblioteca y desenterrar un nuevo genero cinematografico: las "train-movies". Desde las familiares (Silver Streak, Testigo Accidental) hasta las rudas ( estas que nos ocupa, pero sobre todo la imprescindible Runaway Train)pasando por las gafapastas (Europa) y las seminales (The Train).Seguro que puedes añadir un par a la lista...

Synecdoche New York

Charlie Kaufman, es una rara avis en la industria del cine americano.
Su trabajo como guionista, caracteristico por lo personalisimo de la apuesta da buena fe de ello: Being John Malkovich, Human Nature, Adaptation, Confessions of a Dangerous Mind y Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

Sus personajes son seres cotidianos sometidos a situaciones surrealistas que aceptan con naturalidad marciana: una puerta que da acceso al alma de John Malkovich, una oficina de medio piso de altura, una maquina que permite borrar a una persona de tus recuerdos. No se puede negar su originalidad pero lo que si que se puede poner en duda es su capacidad de autocritica. Hay algo en Charlie Kaufman mas alla de la sucesion de excesos creativos?

En Synecdoche, New York ejerce de guionista y se estrena como director.

Philip Seymour Hofman interpreta a Caden Cotard, un director de teatro cuya vida personal se encuentra en estado terminal. Abandonado por su mujer y su hija y enfrentado a un sinfin de patologias comienza a ser consciente de la futilidad de su existencia.
Una inagotable beca a la creacion artistica le saca de la depresion y le lanza a la construccion de la obra de arte total: la recreacion de su propia vida en clave teatral en una inmenso almacen en el que cojen edificios, dirigibles e incluso partes de Alemania. Y eso no es nada. Espera a ver el momento en el que la representacion teatral alcanza el momento de la vida de Cotard en el que recibe la beca y empieza a trabajar en la obra de teatro. La obra es interpretada dentro de la obra y toda la pelicula comienza a doblarse sobre si misma como un tren de mercancias de alto tonelaje lanzado a gran velocidad sobre una via en espiral.
Ficcion y realidad se mezclan multiplicando los personajes y las situaciones en un juego de espejos que nos deja entrever la relacion entre la realidad, la ficcion y el paso del tiempo o lo que es lo mismo, la muerte.

A ratos brillante, a ratos innecesaria, a menudo fascinante y siempre excentrica Synecdoche New York tiene material como para haber hecho dos peliculas. O tres.
Las ideas se acumulan unas sobre otra intentando abarcarlo TODO: la creacion artistica, la muerte, las relaciones de pareja...
Es de recibo preguntarse si menos, no hubiera sido mas en este caso o si por el contrario la verdad late entre el tupido entramado de historias.

Pero que muy mal, Clint

Clint Eastwood. El bueno de Clint. El mejor actor segun Leone, el que solo tenia dos caras: con sombrero y sin sombrero. El ultimo mohicano del cine clasico americano, heredero de Huston, de Siegel, quitandose a manotazos la caspa italiana de las solapas de la cazadora de ante mientras da soberanas caladas a la ennegrecida pipa de jefe de la tribu.
Me pregunto cuando empezo Clint a sufrir el sindrome del condensador de fluzo. Ya sabes, ese momento en el que el cielo se abre ante un artista y este es capaz de vislumbrar el espiritu de sus creaciones venideras.
Imagino que lo que vio Clint se asemejaba a las tablas de la alianza ardiendo sobre unas zarzas, un cine por encima del bien y del mal, un cine mas alla de consideraciones morales, un cine con cojones y dulce a la vez. Un cine total, biblico.
Fue con Sin Perdon? o con Cazador Blanco, Corazon Negro? En cualquier caso el humor en el cine de Eastwood quedo destinado a las producciones veraniegas (Space Cowboys, El Principiante) mientras el grueso de su cine se deslizaba por la peligrosa pendiente del cine serio con mayusculas. He de admitir que yo tambien cai victima de su engaño y acudi extasiado cada vez que Clint hacia acto de presencia en los cines.
Esto continuo hasta Million Dollar Baby. Si, esa fue la primera vez que corri a la taquilla para pedir que me devolviesen el precio de la entrada.
Menuda manipulacion, que poca verguenza. Que manera de ensenar la patita y darte con la historia en la cabeza. Que gran verdad, que jodida es la vida- decian otros- que tio este Clint, a favor de la eutanasia y todo. Y encima es republicano, apuntaba alguien al fondo de la sala.
Luego llego de nuevo cargado de Iwo Jimas y banderas de nuestros padres. Por si te quedaban dudas, de que Clint ama por igual a blancos y a amarillos.
Y ahora nos atiza de nuevo con Changeling. Reduce a la Jolie a un borron de carmin acentuado por dos ojos de vulpe y nos trae una historia con sed de trascendencia y hambre de oscar. La pelicula que funciona en sus momentos mas folletinescos, fracasa estrepitosamente en los momentos dramaticos. Quizas es la falta de sombras entre tanta oscuridad? Quizas es la ambicion de Eastwood de ser el ojo de dios viendolo todo desde las alturas? O quizas es culpa del reiterativo guion? Y es que tras casi tres horas de acumulacion de generos uno ni siquiera es capaz de decidir quien es el malo de la pelicula: el psicopata? el LAPD? el poli malo del LAPD? el director del frenopatico? el espectador? la Jolie por pesima actriz? Clint?

Momia rosa

Con un pie en la ciencia ficcion y otro en las Monster movies, Los cronocrimenes juegan a no parecerse a nada y a sorprender a un espectador que, maniatado en una montaña rusa, se pregunta si eso que sobresale en el asiento trasero es dinamita.

Tras una primera parte, inquietante, y redonda, Vigalondo empuja a su personaje ( y con el, al espectador) por un laberinto temporal de imprevisibles consecuencias.

Vigalondo rueda aparcando su ego y poniendo la camara al servicio de la historia, primando la narracion por encima de todo lo demas, sin tiempos muertos ni florituras innecesarias. Son los recovecos del maravilloso guion los que ofician de chistera de mago de la que salen momias rosas deconstruidas, ninfas ligeras de ropa, mad doctors de fin de semana y maquinas del tiempo.

Mencion especial merece tambien la apabullante banda sonora.

Un lujazo de pelicula que deja con ganas de mas.

Crimenes temporales

Momias rosas en el Festival de Cine de Washington.
Ire a verla este sabado tras tres años siguiendo las peripecias del señor Vigalondo gracias a Nachovigalondo.com, reality-blog de un cineasta primerizo (ya no tanto).

En cualquier caso, el Washington Post en una minicritica ya la ha calificado como "Rear Window meets 12 Monkeys with a lower budget and some dark laughs".
Mas al respecto en cuanto la vea. Muchas ganas!

Ya he visto Ne le dis a personne de Guillaume Canet, un thriller frances basado en una novela de Harlan Coben. Tiene puntos interesantes pero en general resulta espeso, poco agil y con media horita de sobra.

Mas presencia hispana gracias a Fados,La Zona y El concursante.

He can teach us to type but can't teach us to grow tits

Aaron Sorkin, responsable de The West Wing y Studio 60 vuelve a la gran pantalla con Charlie Wilson’s War, una comedia sobre el rearme de Afganistán en los anos 80.
Si, has leído bien. Una comedia. Sobre la inyección de armamento en Afganistán.
Que quien pagaba el armamento? El gobierno americano, claro. Quien si no. Si, si, en Afganistán, cuna de los talibanes y demás. Acaso no recuerdas quien luchaba codo con codo con Rambo en la tercera entrega de sus aventuras? Los muyahidines afganos, los mejores colegas de los yanquis contra el poder rojo antes de que decidieran coger un billete a Nueva York para presentar sus respetos. Billete solo de ida.
Pese a ser algo mas explicita que otras, esta película se circunscribe en la nueva ola de cine político made in Hollywood. Ya no hace falta adoptar un tono dramático (Missing, Nacido en el 4 de Julio) para explorar las miserias de la política exterior americana. Siguiendo los doctos pasos del Profesor Kubrick (Teléfono Rojo) una película política puede tener el formato de una película de acción (Bourne), ciencia ficción (La Guerra de los mundos), de espías (Syriana) , de película de catástrofes (United 93) o de una comedia, en el caso que nos ocupa.
Una millonaria adicta al sexo, iluminada por dios y una dieta generosa en Bourbon. Un senador de alta cuna, baja cama y conexiones poco recomendable. Un agente de la CIA clavadito a una cama sin hacer. Interpretaciones de copete (ojito con Phillip Seymour Hofmann), un ritmo infernal y un cinismo a prueba de balas.
Si yo fuera Ken Loach me pasaba a dirigir cine porno, genero en el que el maniqueísmo es mucho más sencillo de digerir.

Vuelta al ruedo

Llewelyn Moss (Josh Brolin) vive en Texas, territorio fronterizo: entre Estados Unidos y Mexico, entre la vida y la muerte. En una jornada de caza acaba encontrandose con los restos de un intercambio de drogas fallido: armas por doquier, cadaveres, paquetes de heroina y oh, sorpresa, dos millones de dolares. Este hallazgo dispara sus sentimientos transhumantes: se trata de cruzar la frontera mexicana con los dos kilos sin cruzar la de la muerte.

Pero claro, Anton Chirguh (Javier Bardem) le sigue de cerca con lo cual no esta nada claro que pueda conseguir ni una cosa ni la otra.

Este es el punto de partida de la ultima pelicula de los hermanos Coen. Tras entonar un canto del cisne por partida doble ( Fargo (1996) y The Big Lebowsky (1998), han pasado casi una decada enredados entre peliculas fallidas que pese a tener elementos brillantes estaban muy lejos del resto de sus trabajos.

Pues bien, buenas noticias. No country for Old Men no solo es una vuelta a la grandeza sino que puede que se trate de la mejor pelicula de los hermanos Coen.

No Country for Old Men es la historia de una persecucion. Es mas, es la persecucion platonica, la persecucion perfecta. Una y otra vez asistimos atonitos al esquema perseguidor- perseguido que se reitera hasta convertirse en el tema central de la pelicula.

La fotografia, lavada con los colores ocres de la frontera se convierte en un elemento mas de la pelicula.
Josh Brolin se calza el mejor bigote que un servidor ha visto en el cine en mucho tiempo, y Bardem, que voy a decir de Bardem. Que es el Fernando Alonso del cine hispano, pero sin dar tanto la vara y con menos fanfarria.

Cine de primera de una pareja de realizadores que vuelve a hacer lo que mejor sabe: hacer peliculas que nacen siendo clasicos.

Enjoy your meal!

El yuppie, la perdida, la carretera y el macarra

Something Wild
Jonathan Demme 1986 113 mins
Charlie Driggs es un yuppie despistado con ganas de mambo. Asi que cuando le entra Lulu/Audrey, una hipster desenfrenada, no es de extranar que acaben en un motel de carretera jugando a medicos y enfermeras, aunque eso suponga hacer pellas del trabajo.

Audrey es traviesa asi que decide tenderle una trampa pseudo maso: Charlie acaba llamando por telefono a su jefe mientras Audrey le limpia los bajos y le cambia el aceite.

Fascinado por Audrey, Charlie decide acompañarla a su ciudad natal a una reunion de sus companeros de high school reunion. De camino Audrey roba un par de liquor stores, escapan sin pagar de uun restaurante italiano y tienen algun que otro accidente de trafico.

Todo esto sucede ante los ojos obnubilados de Charlie que no sabe muy bien donde la esta metiendo.

Finalmente en la fiesta se encuentran con un colega de Charlie y su ortodontica esposa en una escena que desplaza el bullying de las paredes del instituto a la vida adulta.

Hasta aqui todo bien. Charlie estaba contento, feliz, sumido en una comedia loca ochentera y dandole de comer al conejito hambriente de una Melanie Griffith en celo.

Lo que Charlie no sabia es que Jonathan Demme guardaba un conejo en la chistera. O una lamprea, o un lagarto o como cojones quieras llamar al papel que interpreta Ray Liotta.
Casado con Audrey y recien escapado de la carcel, Liotta interpreta a un troubled kid from hell: Atracar gasolineras, robar coches, dormir en moteles de tres al cuarto o follarse a camareras son sus pasatiempos favoritos. Hijo bastardo de Jimmy Dean y Frank Booth (Blue Velvet), adoptado por una carretera perdida, el hecho de que Charlie se haga pasar por marido de su esposa no le hace ni puta gracia asi que coge la mitad de la pelicula que acabamos de ver, se la pasa por el arco de triunfo y nos devuelve un thriller con psicopata de quitar el hipo.

Recuperar a la chica parece estar mas alla de las posibilidades de Charlie. O quizas no?

A medio camino entre After Hours y Blue Velvet, Something Wild es una joya menor de los 80. Cine descarado y divertido que busca soluciones nuevas a problemas consabidos. Y para los mas cinefilos, apariciones esterales de John Waters, John Sayles y Charles Napier. Sin duda una de mis peliculas favoritas.

Segundas partes a veces fueron mejores

Llegados a un punto en el que las secuelas suponen una racion de menos de lo mismo, me apetecia echar un ojo a secuelas que ofrecieron mas de lo mismo o algo distinto.

Spiderman II

Tras poner una base firme en una franquicia que podia haber sido un desastre mayusculo, Sam Raimi quita el freno de mano y se lanza pendiente abajo. 1/3 comedia de enredo juvenil, 1/3 blockbuster al uso y 1/3 del mejor Raimi. Las indigestion causada por el tercer capitulo de la serie puede inducir al revisionismo a la baja, pero esto seria una injusticia con lo que a mi modo de ver es la mejor adapatacion de un comic-book a la gran pantalla. Premio al mejor mas de lo mismo.

Superman II

El hombre de acero se enfrenta a un grupo de rock sueco recien salido de la zona negativa.
Encerrados en un LP volante intergalactico, acaban liberados por un error de Superman.
Son viejos amigos de su padre pero no tienen buenas intenciones. Un festival de botas de plataforma, trajes discotequeros y Terence Stamp enseñando pecho y calvicie.
Premio a la secuela mas discotequera.

El padrino II:

Tras empezar por el reserva, Coppola abre su gran reserva. La barrica de roble de la primera parte se enriquece con reflejos de la revolucion Cubana, el pasado de Vito Corleone y el viaje a Italia de Michael. Y De Niro en una de sus mejores interpretaciones.
Solo se echa de menos a James Caan, pero no se puede tener todo.

Aliens II

Como continuar una pelicula que habia creado un genero nuevo? Mandandolo todo a la mierda. Cameron se aprieta el cinturon y dirige una pelicula belica en el espacio a la manera de Michael Curtiz. Musculo, tecnologia, destruccion y una nueva definicion de la palabra frenetico. Premio a la secuela mas ruda.

El imperio contraataca

Seamos realistas.La Guerra de las Galaxias ep 4 es una chorrada. La historia no daria ni para un episodio de Xena la princesa guerrera. La forjadora del mito es el Imperio Contraataca. Su guion no estira lo ya visto sino que le da profundidad. El mal ya no es antagonista sino parte del protagonista. Y encima ganan al final de la pelicula. Un clasico del secuelismo. Premio a la secuela edipica.

Regreso al futuro II

Los problemas de Marty McFly/Calvin Klein (lo siento chicos pero en la version original no se llamaba Levi Strauss, cosas del doblaje y el subdesarrollo) tras la primera parte solo acaban de empezar. Del futuro al presente y de nuevo al pasado para deshacer un nudo gordiano de una trilogia que se retuerce sobre si misma elevando la broma a la enesima potencia. Premio a la secuela mas loca.

Pues eso, que hay vida y taquilla mas alla de la fotocopia desmejorada. Y que os lo paseis bien viendo Harry Potter 5.

Apocalypto o La pasion del fugitivo segun San Gibson

Una vez mas Mel Gibson vuelve por sus fueros. Si las películas tuvieran sexo, el cine de Gibson seria cine pollon. Los motivos que mueven a los personajes de Gibson son siempre los mismos: tierra, familia y honor/libertad. Pese a estar en desacuerdo con este trío de ases, admito que sus películas despiertan en el espectador un nivel de empatia primario que funciona a la perfección.

Si intentamos repartir la oferta de entretenimiento a lo largo de un segmento, pongamos en un extremo el cine de Eric Rohmer y en el opuesto una final de Champions, el cine de Gibson estaría mas cerca de este ultimo. Pese a lo cerril de sus planteamientos se aleja de las grandes producciones yankis (Michael Bay y sus copycats) tanto en su impecable story telling como en la seriedad de sus planteamientos.

No soy un gran fan de Braveheart y pasé del festival católico-charcutero de La Pasión según San Gibson. Sin embargo con Apocalypto me ha pillado a calzón bajado.

Una idílica comunidad indígena que vive alejada del mundo y del pecado original se ve sometida brutalmente por el expansionismo Maya. Un superviviente de la masacre tendrá que darlo todo y mas si quiere recuperar a su familia. Y no hay mucho mas y al mismo tiempo hay muchísimo mas.

Esta rodada íntegramente en lo que Imdb figura como Maya, y a pesar de ello estoy seguro que se podría ver sin subtítulos sin perder gran cosa. A diferencia de Spiderman III o cualquier otro mastodonte digital la acción se entiende perfectamente y no solo eso sino que alcanza ese discurso al alcance de pocos en el que la acción es la historia. Un gesto, una mirada o un hachazo pueden cambiar el curso de esta. Ese es el lenguaje de Mel Gibson. Cine en estado puro. Solo imágenes y música.

La producción es impecable y la reconstrucción de la ciudad Maya deja a la tierra media en agua de borrajas. Ver para creer.

La historia es sencilla y quizás esta es la parte que mas se resiente de Apocalypto.
Tras una primera parte en la que introduce la tribu y los personajes, desarrolla el típico esquema del “running-man” o “corre-que-te-pillo”. Y de una forma un tanto tozuda repasa los lugares comunes del genero: catarata infranqueable (por un instante creí ver a Tommy Lee Jones disfrazado de Mayan Marshall), arenas movedizas, heridas que gotean…Pero si tras horita y pico de testosterona y casquería no estas sudando la gota gorda junto al protagonista es porque no tienes sangre en las venas o porque estas haciendo un sudoku mientras ves la película.

Así que Mel Gibson el republicano ultra católico ha añadido otra muesca en el tablón de los directores incómodos para el aficionado bienpensante.
Es mas, si Apocalypto la hubiera dirigido Babel Iñarritu nos encontraríamos ante una joya del cine independiente. Pero como no es asi, nos encontramos frente a una joyita del cine reaccionario, rodada en Maya, sin actores conocidos y desde el punto de vista de los perdedores de la historia.

En pocas palabras, una pelicula de accion para adultos en la que Gibson siguen demostrando que es el chico mas malo de la parroquia.
Y de postre, por mal pensados, repitamos todos juntos este mantra 100 veces:
"Mel Gibson es un director de extrema derecha. Mel Gibson es un gran director.
Apocalypto es una película de extrema derecha. Apocalypto es una película cojonuda."

De rusos, drogas y espias

The falcon and the snowman 1985 131 mins

Una crisis de fe saca a Christopher Boyce (Timothy Hutton) del seminario en el que se preparaba para entregar su vida a Dios. De vuelta en la casa de sus padres, no tarda en encontrarse con su amigo de infancia Daulton Lee (Sean Penn). El hobby de Daulton consiste en bajarse a México a pillar droga para poder llenar su bolsillo y su nariz ( y no precisamente en este orden).

Christopher comienza a trabajar como becario en un centro de comunicaciones de la CIA y claro, en breve encuentra evidencias de los desmanes de la agencia mas famosa de la gran pantalla. Y como la película tiene lugar en los 70, donde la conciencia política y el amor libre campaban a sus anchas a Christopher no se le ocurre mejor idea que comenzar a vender secretos a los rusos.
Pese a desaprobar los usos y costumbres de su narcotizado amigo, Christopher no tiene mas remedio que requerir sus servicios como correveidile entre Los Ángeles y la embajada soviética en Ciudad de México.

Y a partir de ahí todo se complica en un película de espionaje que nunca se podría hacer en nuestros días. O acaso imaginan a Leonardo Dicaprio vendiendo secretos a Irán motivado por las tropelias yankees en Irak. Pues eso.

Dirigida con pulso firme por el a veces interesante John Schlesinger (Marathon Man, Midnight Cowboy, Pacific Heights), es todo un peliculón, a pesar de estar marcada por el siempre peligroso sello “basado en hechos reales”.

Sin explicacion aparente, en Spain se la conoce bajo el videoclubero titulo de “El juego del halcon”. No os la perdais.

Libro Negro, espectador blanco

Tras una matanza perpetrada por las tropas nazis en la que fallece toda su familia, la joven judía Rachel Stein es acogida por la resistencia holandesa. Apropiadamente teñida de rubio en todas sus regiones capilares se infiltra como espía en el gobierno de la ocupación para acabar enamorada de un capo de las SS. Si te parece chocante, ponte el cinturón de seguridad. Bienvenido al planeta Verhoeven.

Tras la espantosa “The Hollow Man”, Verhoeven vuelve a lo que nos tiene acostumbrados: provocación, violencia, motivaciones oscuras y el mal como algo con lo que tenemos que convivir.

Con una estructura de cliff hangers sucesivos e imparables, ZwartBoek es una montaña rusa argumental que no deja respirar al espectador. Como si un episodio de Alias se tratara no deja de quitar la alfombra de debajo de nuestros pies catapultando a Rachel a peligros sucesivos y cada vez mas amenazantes. Hasta el punto de que cuando el fin de la guerra llega, todo se vuelve mucho mas peligroso para la protagonista.

Lejos del relativismo moral, Verhoeven apuesta por la complejidad del ser humano frente al monolitismo de los bandos. Y en esa apuesta nos ofrece un campo de discusión interesante y diverso.

Demasiado travieso para el publico de masas, Paul Verhoeven hace lo que yo creo podría ser el patrón del cine europeo: con el ritmo y “craft” americano (ojala hubiera mas peliculas tan trepidantes Zwartboek) pero envenenado de una dualidad, y un gusto por la provocacion europeos. Ah, y ni rastro del pesado buenismo de Goodbye Lenin o La vida de los otros, por citar dos eurohits recientes. Por cierto Sebastian Koch (ZwartBoek, La vida de los otros) con su buen hacer, se esta haciendo experto en interpretar la redención del pueblo alemán a un lado y a otro del muro de Berlín.

En resumen, una vuelta a la forma de uno de los directores mas interesantes de los 80/90
que añade otro titulo a su mas que sólida filmografía.
Probablemente junto a El Pianista la mejor película sobre la convivencia con esos fascinantes tipos de uniforme gris, botas de cuero negro y extracción racial superior. Solo que en este caso te puedes dejar el pañuelo en casa y sustituirlo por un tambor de popcorn.

De Laurentiis: El productor de las galaxias (II)

Tres años mas tarde, en 1983 el para entonces mas que adinerado propietario del rancho skywalker, cierra su trilogía con una autocomplaciente tercera parte plagada de concesiones al sector mas joven de la audiencia.

De Laurentiis decide contraatacar de nuevo, y tira la casa por la ventana. Contrata a un joven director de cabellos revueltos responsable de la película mas bizarra y rompedora del momento: David Lynch. Con el único bagaje a sus espaldas de Eraserhead y Elephant Man, Lynch se embarca rumbo a México para rodar una superproducción ideada para hacer caer en el olvido a la trilogía de Lucas.

Cientos de extras, unos decorados barrocos e inigualables, estrellas del pop (Sting), viejos conocidos(Max Von Sydow de nuevo), y lo que seria gran parte del posterior elenco habitual de Lynch ( Kyle McLachlan, Freddie Jones, Brad Douriff) se ponen manos a la obra de lo que llegaría a ser el mejor y mas fascinante despropósito de la historia del genero: Dune.

La serie de novelas había cosechado un gran éxito pero Lynch, se pasa por el arco del triunfo la estética descrita en los libros y la lleva a su terreno: Un planeta desierto recorrido por descomunales penes gigantes, un malvado que trama sus planes desde un planeta-matadero-consulta dental coleccionando enfermedades, la cofradía, sacada a fuerza de cirugía pesada de las entrañas palpitantes del expresionismo alemán, el emperador y su cohorte “Sissy emperatriz”, los ojos azules, Silvana Mangano dando yuyu con sus cameos…
La única palabra que se me ocurre es ESPELUZNANTE.

Y de nuevo resulto ser un estrepitoso fracaso. Si bien a largo plazo ha resultado ser una película de culto, a corto plazo al menos permitió que Lynch pudiese rodar con la producción de De Laurentiis la importantísima Blue Velvet (1986).

Es innegable que a pesar de las evidentes diferencias entre ambas películas se detectan los valores de producción de De Laurentiis: los decorados, los trajes, la presencia de actores europeos, la apuesta por directores sólidos/innovadores, etc.

Pero hay algo mas que une a ambas películas de una forma mucho mas intima. Mientras Lucas hace avanzar el genero renovando su apariencia estética, De Laurentiis hace una apuesta mucho mas interesante. Decide pervertir el genero desde dentro. Coge el molde de la fantasía camp y lo retuerce trufándolo de sexo y apuestas estéticas dignas de un sueño humedo del Joker.

Eso si, con claras diferencias:
Lo que en Flash Gordon es calenton recreativo, en Dune se torna en sexualidad corrupta. El ubermensch de manual en Flash Gordon se refleja en un mesias oscuro con problemas edipicos en Dune. Ming pasa a ser el Barón Harkonnen, compendio del monstruo Lynchiano atrapado en un mundo de dolor y de pulsiones homo eróticas.

En pocas palabras, si pones Flash Gordon fuera de la nevera y dejas que se pudra durante una semana al calor del verano te encontraras una película llena de gusanos que se llama Dune.

Visto desde la distancia, lo único que consiguió Lucas es infantilizar el genero y crear las aburridas “family movies” que campan a sus anchas en la cartelera actual. De Laurentiis consiguió crear dos totems en el mausoleo de las películas incomprendidas.

Yo lo tengo claro. De Laurentiis lava mas blanco.

De Laurentiis: El productor de las galaxias (I)

Momento? 1976
Lugar? Una galaxia muy lejana donde la profesión menos rentable es la de afilador.

El propietario del rancho skywalker pulveriza las taquillas y las mentes de margarita de los espectadores con una película en la que la funcionalidad destroza de un plumazo la implausabilidad habitual de la ciencia ficción de aquel momento. Para ello se limita a sablear las películas de la segunda guerra mundial sustituyendo la parafernalia nazi por la Imperial y rodando los combates aéreos con fondo negro. Un par de toques místicos aquí y allí, ausencia de connotaciones sexuales y unos protagonistas sacados de una película de instituto (el buen chico, el malo y la niña pija) completan la receta.

En 1980, el propietario del rancho skywalker repite la jugada (esta vez solo como productor) añadiendo un conflicto generacional sacado del Hola, un tahúr con chaleco para atraer a las minorías étnicas reticentes y un final de continuara propio de un episodio de LOST.

Dino de Laurentiis, que había perdido el tren de la primera entrega, decide contraprogramar con lo que espera que sea su propia franquicia espacial.

Para ello contrata al siempre sólido Mike Hodges (Get Carter, El hombre terminal) y crea el segundo mejor y mas apasionante despropósito de la historia del cine de ciencia ficcion: Flash Gordon.

Quien mejor que un actor de saldo con jeta de estrella del porno en horas bajas (Sam Jones) para interpretar a Flash Gordon. Max Von Sydow, a años luz del planeta Bergman, se trasviste de un Ming con problemas de priapismo. Ornella Muti hace de dama, dama de alta cuna y de baja cama, paseando su entrepierna por los planetas que hagan falta. Para completar el reparto, Topor y el James Bond mas peregrino: Timothy Dalton.
Una estética barroca e imposible hecha con lava-lamps, ciudades voladoras, rayos dorados, los trajes mas ceñidos de la historia de la sci-fi y la canción que hubiera podido ser el hit de la década completan el conjunto.

Con todos estos elementos construye una space-opera que no se toma en serio a si misma y que permite al espectador disfrutar de ese ambiente de viaje de fin de curso que empapa la película.

La doble lectura sexual del film culmina con la penetración literal de Ming por Flash Gordon.

Aquí no hay aparatosos imperios inexplicables ni rebeldes con cara de chipirón ni planetas de ositos de peluche clamando por la independencia. En cambio la dosis de cuero, licra y latex ajustado es mas que generosa. Haciendo juego con el atuendo, no hay leit-motiv que no sea sexual. Bueno, quizás Flash sea la excepción pero como es bueno, rubio y americano puede darse al picoteo lubrico mientras atiende su objetivo principal: salvar la tierra.

La idiosincrasia claramente sexual de este film se podría explicar por el único gran éxito previo de De Laurentiis en el genero fantástico: Barbarella.

Basado en el comic homónimo de Jean-Claude Forest e interpretado por la entonces aterciopelada Jane Fonda, narraba las singulares aventuras sexuales de una amazona intergaláctica a la búsqueda del genio Duran Duran.

Escenarios recargados, estética camp a raudales y la presencia exuberante de Fonda habían redundado en un generoso éxito en las taquillas.

Reformulando la formula sexo & sci-fi, De Laurentiis esperaba conseguir la alternativa al universo Lucas.
Sin embargo Flash Gordon fue un fracaso de critica y publico que jamás dio pie a la esperada secuela.

Pero no adelantemos acontecimientos. Pese a los sin sabores comerciales, De Laurentiis no se rinde…

(continuara …)

Mojado me levanté

The Fallen Idol 1948 95 mins

Odio las películas con niño. Lo reconozco.
Así que cuando encuentro una que me gusta no tengo mas remedio que redondear hacia arriba para hacer mas objetiva la valoración.

El escenario de The Fallen Idol es una lujosa embajada en la que el hijo del embajador es el espectador de un triángulo pasional entre el mayordomo, su mujer y su amante.

Con esta premisa, Carol Reed destila una historia de tintes freudianos. El mayordomo ejerce un rol paterno sobre el niño a base de atención y fantásticas historias sobre su pasado en Africa. El niño guarda una serpiente en la terraza con la que emula las correrías del aventurero chambelán.
La mujer de este es una fémina castradora, deseosa de pillar infraganti a su marido y de deshacerse del bífido compañero de juegos del chaval.

La historia sigue la clásica estructura del whodunit pero lo hace de forma muy interesante.

La primera parte de la película es vista con los ojos del niño pero una vez que la muerte entra en escena, el punto de vista vuelve a ser el de los adultos. Así es capaz de generar una tensión evidente ya que conocemos la verdad pero esta depende de la voluntad del chaval.

El minimalismo de la historia es ejemplar siendo capaz de desplegar un juego interesante y profundo a partir de cuatro personajes, una serpiente y una pistola.

The Fallen Idol es la primera colaboración entre Carol Reed y Graham Greene. A esta película le seguirían la fundacional The Third Man (1949) y Our Man in Havana (1959).

En resumen una gran película de Carol Reed en la que es capaz de insuflar originalidad a un genero manoseado.

Punto Pelota

El mecanismo por el que la ficción (sea esta cine, literatura, comics, teatro, etc) nos atrapa es la creación y frustración de expectativas.
Ante el hecho A, esperamos que ocurra B pero sin embargo acaba ocurriendo C. Así de sencillo y así de complicado al mismo tiempo.

Es indudable que ir al cine es a menudo una cuestión de paciencia ante la avalancha de películas formulaicas donde la única sorpresa es servida sin patatas por empresas de diseño 3D o efectos especiales.

Sin embargo sigue habiendo directores dispuestos a sorprendernos, lo cual es muy de agradecer.

El otro día volví a ver la negrísima Match Point. Ya de por si toda la película es una decepción de las expectativas tradicionales en las que "el crimen acaba pagando".
Pero además hay una escena en la que nos ofrece un icono que ejemplifica el resto del film.

Tras asesinar a su amante y así escapar de su chantaje moral, Chris Wilton simula el robo del apartamento de esta de manera que la policía no sospeche que se trata de un crimen pasional. Pues bien, huye con el botín y lo tira al Tamesis. Sin embargo un anillo rebelde permanece en su bolsillo. Lo coge con todas sus fuerzas y lo arroja contra el río. El anillo rebota contra la barandilla y en vez de caer al agua se queda en un banco del paseo.

En ese momento un TATE! mayúsculo invade al espectador. La imagen del anillo rebotando y cayendo del lado malo de la barandilla crea la expectativa en primer grado de que todas las evidencias no han desaparecido. Ahí esta. El anillo.
A un nivel icónico escenifica un ultimo esfuerzo fallido. A un tercer nivel y haciendo paralelismos con el titulo de la película, deja claro que la pelota no ha cruzado la red. Ni mucho menos.

Y efectivamente. Durante los siguientes 20 minutos vemos como hace frente a una investigación policial que se va cerrando poco a poco sobre su gaznate.

Y cuando esta a punto de claudicar, y nosotros con el, encuentran a un yonki con evidencias de haber robado el apartamento de su amante y de ser, por tanto culpable del crimen.

Cual es la evidencia? No puede ser otra. Tras usarlo como icono de su derrota , el anillo acaba siendo la llave de su libertad.

Storytelling de primera. Lo que nos hace ir al cine una y otra vez pidiendo mas.
Señor de los anillos? Woody Allen, por poner un ejemplo.

A evitar el calamar

The Host 2006 119 mins.

Para que ver una película de mierda a secas cuando puedes ver la misma película de mierda con factura oriental?
Así me puso The Host. Para tirarse de los pelos. Sobretodo después de toda la cola que ha traído en la prensa donde algunos cantamañanas la equiparaban a Alien o a Tiburón. Sinceramente no vi renovación del genero en ninguna parte. Es mas, lo único que vi fueron intentos de copiar los manoseados códigos de las "monster movies" americanas.

El planteamiento de la película es el correcto. Utiliza la serie B para hablar de los problemas medioambientales coreanos así como del sometimiento a Occidente ( los dos americanos de la película son impagables).
La familia en descomposición le sirve al director para marcarse un par argumentos sobre los conflictos inter generacionales mientras prosiguen la búsqueda del vástago perdido. Un clímax pesadísimo intenta elevar la lucha a la categoría de parábola pero todo queda en menos que cero. Y poco mas.
El continuo divagar entre lo farragoso y lo inconcluso me dejo con la impresión de no saber muy bien que acababa de ver.

Me ha recordado en mas de un aspecto a La Guerra de los mundos de Spielberg. Pero mientras esta película convirtió las monsters movies en el mejor vehículo para hacer una película política, Joon-Ho Bong utiliza la suya para llevar a cabo un hueco espectáculo. Como de la peste.

Si se mueven, matalos

Pat Garrett. Billy the Kid. Dos dioses de leyenda en un mundo que se deshace mientras Bob Dylan pone musica al asunto.
Pat Garret se une a la ley de los hombres porque es la única manera de seguir siendo salvaje.
Billy sin embargo no puede evitar seguir siendo un fuera de la ley. Es su naturaleza.
Así es el cine de Peckimpah, una oda violenta y visceral sobre la naturaleza del ser humano.

Siento haberme marcado la parrafada pero acabo de volver a ver Pat Garrett y Billy the kid y no puedo evitarlo. El cine de Sam Peckimpah me pone tontuno.
Y es que su cine se las trae. En 5 años (1969-1975) pulverizo todos los récords de frecuencia/calidad dirigiendo las siguientes películas: Grupo Salvaje, La balada de Cable Hogue, Perros de Paja, Junior Bonner, La Huida, Pat Garret y Billy the Kid y Quiero la cabeza de Alfredo García.

Sus westerns son westerns clásicos lavados con lejía y tostados bajo sol de la frontera mexicana. El héroe americano clásico deja de ser de una pieza y se enfrenta no solo a su némesis sino al final de una era lo que hace que la confrontación no solo sea heroica sino tambien epica. Sus películas negras (Perros de paja, La huida), que siguen siendo westerns pese al cambio de look, nos transportan a un mundo egoísta donde los códigos morales se derrumban y la violencia se transforma en el único lenguaje posible.

Es fácil caer en el tópico de que ya no se hace cine como este, así que termino esta entrada loando otro de sus logros.

Junto a Sergio Leone, Peckimpah es responsable de haber expulsado el peine y el jabón del far-west. Para siempre.